Номер 5(6) - май 2010
Валерий Койфман

Этот сумасшедший, сумасшедший мир... сюрреализма

Многие согласятся, что для большинства любителей искусства «родом из СССР» самым ярким открытием современного западного искусства после импрессионистов, Ван Гога, Пикассо и Шагала, стали пугающе-непонятные, но притягивающие и завораживающие картины художников-сюрреалистов.

С тех пор, как в 1924 г. в Париже был опубликован «Первый манифест» сюрреализма (франц. surrealisme – сверхреализм), в котором сказано о рождении нового движения, прошло много лет. Теоретик и основоположник движения Андре Бретон утверждал, что сюрреализм должен разрешить противоречие между мечтой и действительностью, создавая некую абсолютную реальность – сверхреальность.

М. Эрнст «На встрече друзей» – изображен спиритический сеанс будущих сюрреалистов и тех, кого они считали предшественниками. Автор картины изображен на коленях у Ф. Достоевского

Сюрреализм пустил глубокие корни в искусстве, особенно в изобразительном. И, хотя в настоящее время даже самые пылкие его сторонники, не говорят о расцвете сюрреализма, это направление продолжает, играть весьма значительную роль и в художественной практике, и в симпатиях (или антипатиях) любителей искусства.

Далее речь пойдет о некоторых разновидностях сюрреализма в живописи на примере творчества трех, пожалуй, самых ярких его представителей.

Фантастические миры Макса Эрнста (1891-1976)

Фото. Макс Эрнст

Принято утверждать, что художественный авангард XX века с его отрицанием признанных художественных ценностей взорвал основы классического искусства.

Кубисты и футуристы, например, разложили форму, абстракционисты «распылили» ее до линий и цветовых пятен, а сюрреалисты вообще покусились на логику восприятия объектов искусства.

Особенно мощной силой низвержения канонов обладал выдающийся немецкий художник-сюрреалист, убежденный фрейдист, Макс Эрнст.

Родился Макс (Максимилиан) Эрнст 2 апреля 1891 года в немецком городке Брюль, который расположился в сердце Рейнской долины, примерно на полпути между Кёльном и Бонном. Это был крошечный городок, состоящий, в сущности, из роскошного барочного замка Августусбург с парком (ныне памятник культурного наследия ЮНЕСКО) и небольшого поселения вокруг него.

Отец работал в школе для глухих детей. Он был художником-любителем и привил своему сыну любовь к рисованию и живописи. Нигде, кроме как у отца, Макс тогда рисовать больше не учился. Зато он много времени и упорства уделял самостоятельным занятиям.

В 1908-1914 гг. Макс Эрнст обучался философии, психологии и истории искусства в Боннском университете. Именно здесь под влиянием известного экспрессиониста Августа Маке он пришел к решению посвятить свою жизнь искусству. Почувствовав зов искусства, юноша ринулся с головой в его бурную пучину. Экспрессионизм, футуризм, кубизм, абстракционизм вместе и по отдельности бурлили на выставках 1910 годов.

Впервые Эрнст выставился в 1913 году в берлинской галерее «Штурм» на Немецком салоне.

Салон был тогда крупным смотром радикального искусства в Германии. Хотя «героиней» выставки была абстрактная композиция В. Кандинского, работы Эрнста не были обойдены вниманием публики и критики. Это были вполне «невинные» работы, где было заметно влияние примитивизма Анри Руссо и кубизма урбаниста Лионеля Файнингера.

В 1914 году Макс был призван на фронт в артиллерийские войска. Война обернулась для юноши глубокой душевной травмой. И было вполне логичным вступление Эрнста в 1919 году в группу художников-дадаистов в Кёльне. Движение дадаистов (франц. dada – деревянная лошадка; детский лепет) возникло тремя годами раньше в Цюрихе в среде художников, писателей и критиков, разочарованных войной и отвергающих общественные моральные и художественные ценности. Эрнст работает и выставляется под фамилией Дадамакс, он издает журнал дадаистов «Личинка стыда». В том же 1919 году художник создает свои первые, ставшие знаменитыми, коллажи (франц. collage – наклеивание). Для них он брал вырезки из гравюр в научных изданиях, старых каталогах, рекламных проспектах и т. п. Сюжеты, изъятые из своего контекста, превращались в сюрреалистические образы. Эрнст на протяжении нескольких лет делал целые серии таких работ, которые называл романами-коллажами.

 

Страницы из романа-коллажа

Выставка Эрнста в Париже в 1921 году, устроенная французскими дадаистами, стала настоящей сенсацией для художественного авангарда. На волне этого успеха в 1922 году Макс окончательно переезжает в Париж, расставшись с Луизой Штраус, которая еще в 1919 году стала его женой (это был лишь один из эпизодов его нескольких браков и бесчисленных любовных историй).

С этого момента начинается «французский» Эрнст – блистательный, знаменитый, скандальный, свой среди парижского авангарда. В 1924 году он присоединился к Андре Бретону и его окружению, вместе с которыми и был создан сюрреализм (франц. surrealisme – сверхреализм), сменивший дадаизм.

Известно, что классическое искусство предполагает узнавание и знание изображения. То, что предложил зрителю сюрреализм, не могло быть узнано, потому что оно не существовало в реальности. Образы подсознательной реальности, выполненные сюрреалистами посредством так называемого психического «автоматизма» (по А. Бретону), или техники абсолютно свободных ассоциаций, были непредсказуемы. У Сальвадора Дали – это была материализованная вспышка фантазии, неупорядоченные видения на грани сна и пробуждения, у Рене Магрита – несовместимые сочетания элементов реальности, у Ива Танги и Хуана Миро – образы, конструируемые по принципу биологических форм.

Лес и черное солнце

У Макса Эрнста – это были сцены из параллельных миров, в которых скалистые кристаллические формы пронзают небо, создавая псевдопейзажи и объекты, которые никогда не существовали. Он как бы заново изобретал мир.

В поисках техники, которая была бы еще более «случайной», чем, например, коллаж, Эрнст изобрел фроттаж (франц. frottage натирание), перевод на бумагу текстуры какой-либо грубой или шероховатой поверхности. Лист помещался на необструганную доску или паркетный пол и протирался грифелем или углем. В результате на листе получалось какое-то первичное изображение. Эрнст дорисовывал его краской. Он использовал и другие автоматические техники письма, например, брызгал краской на полотно, получая новые неожиданные рисунки. Часто эти мотивы перерабатывались в подобие первобытного растительного пейзажа: клубки переплетенных корней, лаву или стоячую воду. Художник населял такие пейзажи причудливыми существами, напоминающими дриады среди деревьев, морских коньков, различных насекомых и т. п.

Око безмолвия

Постепенно фантазии Эрнста принимают трагическую направленность. Так в картине «Прелестный лес» он запечатлел черные верхушки деревьев, покрытых шипами на фоне темного неба и блеклого лунного света. Это был 1933 год, и Гитлер только что пришел к власти.

Окаменелый город

В тревожные 1930 годы Эрнст экспериментирует и с граттажем (франц. gratter – скрести, царапать), т. е. частично счищает нанесенную пластами затвердевшую краску с поверхности холста, задавая тем самым новую тему картины. Таков был «Пейзаж с озером и химерами», проникнутый мрачным предчувствием.

Композиция «Окаменелый город» (1936) напоминает фотографии поселков с земляными хижинами на склонах где-нибудь в Курдистане или Кашмире, а гигантская луна предвещает приближающуюся катастрофу.

Потом у художника появляется тема ночных кошмаров. Так для полотна «Прославление голода» вдохновением мог послужить рассказ Ф. Кафки «Метаморфоза», в котором, как известно, главный герой превращается в насекомое.

Личная жизнь Макса протекала бурно. Он менял подруг, как будто листал главы любовного романа. В 1937 году с новой подругой, английской художницей Леонорой Каррингтон, Эрнст покидает бурлящий Париж и обосновывается на юге Франции.

Антипапа

Через два года художника, родившегося в Германии, французские власти интернировали как «враждебного элемента», потом освободили. В 1940 году Макса Эрнста вновь арестовывают, но ему удалось бежать. Теперь Максу пришлось скрываться от гестаповцев. Помощь пришла от друзей из США. В декабре 1940 года гонимому Эрнсту удается вылететь туда вместе со знаменитой Пегги Гуггенхайм, которая фактически этим спасла ему жизнь.

Наряд невесты

Пегги Гуггенхайм была миллионершей, искусствоведом, создательницей коллекции Музея С. Гуггенхайма. Она собирала лучшие произведения современного искусства и сердца талантливых молодых художников. Вскоре Макс получил американское гражданство и Пегги в качестве жены в придачу. Брак длился недолго и распался в 1943 году. Эрнст вместе с красавицей Дорой Таннинг уезжает в «глубинку» Америки, в Аризону. Картины Эрнста того периода говорят о влиянии нью-йоркской школы абстракционизма.

Художник скучал по Франции, и в 1953 году он возвращается в Париж. В 1958 году Макс получает французское гражданство и на этом круг его странствий заканчивается.

Искушение Святого Антония

Выставки работ Эрнста с успехом проходят в Европе и в Америке. На художника посыпались почести. Он даже стал кавалером ордена Почетного легиона. Награды и почести художник всегда принимал с достоинством, и мало кто замечал в его глазах проблески иронии.

Эрнст прожил долгую жизнь и стал одним из самых знаменитых художников XX века.

В конце концов, сюрреалист Макс Эрнст остался верен себе: он умер, не дожив одного дня до своего 85-летия, 1 апреля 1976 года – в День смеха (или, если угодно, День дурака).

Сны наяву Рене Магритта

«Существуют грёзы необычайной хрупкости,

которые не являются мыслями, и для которых

я пока ещё считаю совершенно

невозможным подобрать слова»

Эдгар По

Мысли великого романтика XIX века Эдгара По созвучны настроению, возникающему при созерцании картин знаменитого бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритта.

«Автопортрет» («Зоркий взгляд»)

Он стремился разрушить привычное представление о хорошо знакомом, неизменном, заставить увидеть объект в новом измерении, приводя зрителя в смятение. В своих полотнах он из реальных вещей создавал мир фантазии и сновидений, погружая зрителей в атмосферу грез и таинственности. Художник блистательно умел «режиссировать» их чувствами. Казалось бы, мир, созданный художником, статичен и прочен, но всегда в обыденное вторгается ирреальное, разрушающее этот привычный мир (обычное яблоко в комнате, разрастаясь, вытесняет людей или из камина на полном ходу выскакивает паровоз – «Пронзенное время», 1939).

Пронзенное время

Главное, что бросается в глаза при изучении творчества Рене Магрита, – это простота, которая как бы противостоит экстравагантности его коллег. Предметы у бельгийца, в отличие от других сюрреалистов, почти никогда не теряют своей привычной формы: они не растекаются, не превращаются в монстров и не поедают друг друга. У Магритта поражают лишь странные сочетания самих предметов. При этом невозмутимость стиля художника только усугубляет удивление и погружает зрителя в некое раздумье, даже в оцепенение, вызванное самой тайной вещей. Магритт писал: «Мы вопрошаем картину наугад, вместо того чтобы прислушиваться к ней. И нас удивляет, когда ответ, который мы получаем, не откровенный». Его искусство часто называли «снами наяву». Художник уточнял: «Мои картины – не сны усыпляющие, а сны пробуждающие». Ныне полотна Магрита, наряду с произведениями С. Дали, являются популярнейшими образцами сюрреалистической живописи.

Родился Рене Франсуа Гислен Магритт (фр. René François Ghislain Magritte) 21 ноября 1898 года в небольшом мрачноватом индустриальном бельгийском городке Лессин. Среди троих сыновей он был старшим. Семья жила в доме неподалеку от железной дороги, и мимо ежедневно проносились поезда. Отец занимался мелким бизнесом – безликий человек в котелке, будущий персонаж картин художника. Детство и юность Рене провел с семьей в провинциальном городке Шарлеруа. Вспоминая детство, он писал: «Я помню свое изумление, когда впервые увидел шахматную доску, фигуры на ней. Пугающее впечатление! Нотные листы, где таинственные знаки обозначали звук и не были словами!».

Вот одна небольшая ранняя работа художника – «Заблудившийся жокей», ставшая его творческим манифестом. Всадник, несущийся во весь опор на взмыленном коне, заблудился в ирреальной роще из огромных шахматных фигур, расписанных нотными знаками.

Заблудившийся жокей

Когда Рене было всего 12 лет, его улыбчивая, изящная красавица-мать без всякой видимой причины утопилась в реке Самбр, прыгнув с моста. Когда Регину Магритт нашли, светлая ткань закрывала ее голову. Так и не известно – это вода «набросила» на нее шаль или мать не хотела, чтобы живые потом видели ее лицо. Люди с обернутыми тканью лицами, как попытка понять случившееся, – тема многих картин Магритта.

В 14-летнем возрасте Рене встречает девочку по имени Жоржетта. Через несколько лет она становится его женой, возлюбленной, музой, соратником и другом – единственной женской моделью художника. Других женщин в его жизни не было. Прекрасное лицо Жоржетты неуловимо в картинах Магритта. Оно туманно и зашифровано, как ускользающая красота.

В 18 лет Рене уехал учиться в Брюссельскую академию изящных искусств, где быстро понял, что для него переносить на холст детали реальной жизни – тоска смертная. Здесь он «заболевает» кубизмом и футуризмом в духе Фернана Леже, но излечивается, познакомившись с творчеством Макса Эрнста и Джорджо де Кирико.

В 1921 году Магритт был призван в армию, а через год, по возвращении к гражданской жизни, устроился для заработка рисовальщиком на обойную фабрику, где часами писал на бумаге розы в мельчайших деталях (розы станут позже одним из лейтмотивов его картин – символом роковой и небезопасной красоты – «Могила борца», 1961). Потом вместе с братом он открывает рекламное агентство, которое позволило им вскоре забыть о насущных проблемах.

В 1926 году Рене создал уже упоминавшуюся первую удачную (как он сам ее оценил) сюрреалистическую работу «Заблудившийся жокей», а уже через год в брюссельской галерее «Кентавр» была проведена первая выставка его работ, Работы художника были негативно встречены критикой.

Фальшивое зеркало

Разочарованный и подавленный, Рене в том же году перебрался во Францию, обосновавшись в парижском предместье. В Париже он подружился с Андре Бретоном и оказался активным участником руководимой им группы сюрреалистов. За три года Магритт тесно сблизился с Максом Эрнстом, Дали, Луи Бунюэлем и особенно с Полем Элюаром. В Париже система живописи Магритта окончательно сформировалась и осталась почти неизменной до конца его жизни.

В программной картине художника «Фальшивое зеркало» (1929) всё пространство занимает изображение глаза, но вместо радужной оболочки мы видим летнее голубое небо и прозрачные облака. Органы чувств, считает автор, отражают лишь внешний облик вещей, не передавая скрытой глубины мира, его тайны.

В 1930 году произошел разрыв с Бретоном. Магритт возвращается в Брюссель и вместе с Полем Дельво становится здесь одним из руководителей сюрреалистического движения. В этот плодотворный период деятельности Магритт создал ряд картин с таинственными и поэтическими сюжетами, в том числе и свою наиболее часто копируемую картину – «Сотворение человека» (1935). Изображение моря в картине на мольберте, стоящем перед открытым окном, чудесным образом сливается с «реальным» морским видом из окна.

Сотворение человека

Творчество художника раскроется полнее, если обратиться к теме «Сюрреализм и фрейдизм». Предложенные Зигмундом Фрейдом «метод свободных ассоциаций» и «толкование сновидений» были направлены, прежде всего, на выявление расстройств психики с целью исцеления. На это же было направлено и предложенное Фрейдом толкование произведений искусства. Главный теоретик сюрреализма Андре Бретон, по профессии врач-психиатр, придавал психоанализу Фрейда решающее значение. Фрейдистские взгляды были не просто усвоены многими сюрреалистами – это стало их способом мышления.

Магритт же, наоборот, писал: «Искусство, как я понимаю, не подвластно психоанализу. Это всегда тайна. ...Возможно, сам психоанализ – лучшая тема для психоаналитика».

Вот почему мастер упорно отказывался именовать себя «сюрреалистом». Он охотно принимал характеристику – «магический реалист». Считается, что «магический реализм» как разновидность бельгийского романтизма восходит к искусству великого И. Босха. На Магритта творчество старого мастера тоже имело плодотворное влияние. Его увлекала непостижимая способность Босха переводить на язык художественных образов сложнейшие библейские, алхимические, астрологические и фольклорные символы.

Художник много работает, он выставляется в Европе и в Америке (в 1936 году открылась выставка его работ в Нью-Йорке, а в 1937 году – в Лондоне).

Когда в 1940 году немцы оккупировали Бельгию, Магритт провел сначала три месяца в изгнании в Каркассоне (Франция), а затем вернулся в Брюссель, где и пережил военное лихолетье.

Сразу после войны, Магритт решил писать картины размашистыми мазками, в стиле Ренуара и Матисса, объясняя это необходимостью поиска радости в противовес общему пессимизму тех лет. Этот период в творчестве Магритта чаще всего называют периодом «яркого солнца» („plein soleil“). Но мотивы импрессионизма и фовизма в творчестве мастера картин-загадок не убедили публику и критику, и к 1948 году художник вернулся в собственный стиль.

Первая монография о творчестве Магритта была опубликована в 1943 году. В последующие годы о нем написали исследования сразу несколько крупных искусствоведов.

Сам художник подробно изложил свой творческий метод в работе «Страница с натуры» (1952).

«Я беру произвольный предмет или тему в качестве вопроса, – писал он, – и затем принимаюсь за поиски другого объекта, который мог бы послужить ответом. Чтобы стать кандидатом на ответ, искомый объект должен быть связан с объектом-вопросом множеством тайных связей. Если ответ напрашивается во всей ясности, то связь между двумя предметами налаживается». И еще: «Для меня мысль изначально состоит только из видимых вещей, и она сама может стать видимой, благодаря живописи».

Влюбленные

Образы Магритта пугающе красноречивы и убедительны в свое ирреальности: влюбленная пара с замотанными тканью головами («Влюбленные», 1928); человеческий глаз, пристально глядящий прямо на зрителя из куска бекона на тарелке («Портрет», 1935); расшнурованные ботинки, переходящие в человеческие ступни («Красная модель», 1935); голова античной статуи с кровавым пятном на виске («Воспоминание», 1948); гробы на балконе, имитирующие картину Мане («Балкон», 1951); гигантские каменные фрукты на фоне морского пейзажа («Воспоминание о путешествии», 1952) и другие.

В 1950 годах художник создает несколько своих самых знаменитых работ. В их числе и картина «Голконда» (1953). Художник изобразил зависших в безграничном пространстве несколько десятков аккуратно одетых рантье (при котелках, галстуках и модных пальто), сохраняющих при этом абсолютную невозмутимость. Голконда – древний город в Индии, ставший синонимом несметных сокровищ и богатств, ведь именно здесь было найдено множество знаменитых алмазов и других драгоценных камней. Люди на картине как бы притягиваются сокровищами Голконды.

Голконда

Еще одна из знаменитых картин Магритта, «Готовый букет» (1956). Человек в неизменном котелке, стоящий спиной к зрителю на террасе, созерцает «вечереющий» парк, а на его спине изображена шествующая в блеске цветов «Весна» Боттичелли. Что это? Реализация афоризма «Жизнь коротка, искусство вечно»? Или, быть может, человек, любующийся парком, просто вспомнил картину Боттичелли?

Готовый букет

Большое значение Магритт придавал названиям своих картин. Многие из них рождались в кругу друзей во время еженедельных встреч, центром которых был Магритт. Названия его картин всецело принадлежат картинам и помогают понять их метафорический язык.

Многие названия картин нарочито наукообразны, и в них проглядывает ирония: «Философская лампа» (1937), «Похвала диалектике» (1937), «Естественное познание» (1938), «Трактат об ощущениях» (1944). Другие названия создают атмосферу поэтичной тайны: «Диалог, прерванный ветром» (1928), «Ключ к грезам» (1930), «Мучительная длительность» (1939), «Империя света» (1950), «Гостиная Бога» (1958).

Темой многих картин Магритта стала так называемая «скрытая реальность». Часть изображения, например, лицо главного персонажа, чем-либо закрывается (яблоком, букетом цветов, птицей). Магритт так объясняет смысл этих работ: «Интересное в этих картинах – внезапно ворвавшееся в наше сознание присутствие открытого и скрытого, которые в природе никогда друг от друга не отделяются».

В 1950 годы Магритт приобрел большую известность, работая как художник-монументалист. Он создает великолепные росписи «Заколдованное королевство» для казино в Кнокк-Ле-Зут и «Невежественная фея» для Дворца изящных искусств в Шарлеруа. В 1954 году в Брюсселе состоялась первая большая ретроспективная выставка художника. За ней последовали выставки в Лондоне, Нью-Йорке, Риме, Париже.

В 1950-60 годы картины Рене Магритта взорвали арт-рынок США, где как свидетельство всемирного успеха мастера прошла цепь его больших выставок. Фанфары славы в честь скромного бельгийца зазвучали в полную силу повсеместно, но сам Рене Магритт, его скромный быт оставались прежними.

Шли годы, а Магритт не уставал повторять: «Без тайны ни мир, ни идея невозможны». Так картину «Сын человеческий» (1964) Магритт писал как своеобразный автопортрет. На ней изображен мужчина во фраке и в шляпе-котелке, стоящий около стены, за которой видно море и облачное небо. Лицо человека практически полностью закрыто парящим перед ним зеленым яблоком. Своим названием картина, как полагают, обязана образу современного потомка библейского Адама и яблоку, символизирующему искушения, которые продолжают преследовать человека в нашем мире. Магритт так сказал об этой картине: «Во всем, что мы видим, прячется что-то другое, мы всегда хотим увидеть то, что прячется за тем, что мы видим, но это невозможно. Люди очень тщательно хранят свои секреты…».

Большое семейство

Интересно отметить, что у Магритта только образы птицы свободны от ассоциативных сложностей. Птицы несут позитивную энергию полета, ничего более. Нет птиц умерших, упавших, с перебитыми крыльями. Птицы живы, а крылья их полны ярко-голубыми и белыми перистыми облаками Магритта («Большое семейство», 1963).

В 1967 году в роттердамском Музее Бойманса-ван Бёнингена состоялась последняя прижизненная выставка работ Магритта.

15 августа 1967 года Рене Магритт скончался от ракового заболевания. Ушел из жизни один из художников-магов XX столетия, в жизни так похожий на добропорядочного аптекаря.

Он вел тихую и спокойную жизнь бельгийского обывателя, далекого от богемной суеты – человек, которого трудно выделить из толпы. Мечты, парадоксы, страхи, таинственные опасности переполняли лишь его картины, а не жизнь. Художник боролся со скукой только в творчестве. Размеренность каждого дня его вполне устраивала, он даже большинство из своих картин написал в столовой и до конца жизни предпочитал трамвай остальным видам транспорта.

Как-то незадолго до своей смерти Магритт, этот изощренный мастер, произнес: «Я так и не понял причины, по которой мы живем и умираем». Может быть, разгадки причин и тайн бытия художник как раз и зашифровал в своих картинах-ребусах? Все может быть. Тогда стоит к ним приглядеться повнимательнее!

О Сальвадоре Дали замолвим словечко

 

«В 6 лет я хотел быть Наполеоном, но я им не стал.

В 15 лет я хотел быть Дали – и стал им»

С. Дали «Пятьдесят волшебных секретов»

Автопортрет

Трудно назвать другого художника, о котором слагалось бы такое количество мифов, как о Дали. К тому же он сам провоцировал скандальный интерес к своей персоне. Но сегодня ясно, что этот универсальный мастер: живописец, график, скульптор, дизайнер, писатель, поэт – действительно уникальное явление в культуре XX века.

Сальвадор Фелипе Хасинто Дали родился 11 мая 1904 г. в городе Фигерас (Каталония) в семье нотариуса. Он стал рано рисовать и любил, по собственному признанию, всяческие игры с переодеванием. Мальчик посещал, муниципальную школу, затем колледж в Фигерасе.

Ещё в колледже Сальвадор сам себе постановил, что «просто обязан... явить гениальность любыми путями».

Уже в 1918 г. 14-летний Дали представил две работы на выставке каталонских художников. Некоторое время он с друзьями выпускает журнал “Studium”, где публикует свои первые статьи, посвященные Эль-Греко, А. Дюреру, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Ф. Гойе и Д. Веласкесу, перед которыми Дали преклонялся.

В 1922 г. Сальвадор поступил в мадридскую Королевскую школу изящных искусств (Академию Сан Фернандо), где познакомился с поэтом Ф.Г. Лоркой. Это были очень разные люди.

Дали – эгоцентрист, Лорка – «дитя добра и света», но они глубоко понимали и поддерживали друг друга, что исключительно редко бывает, если встречаются два гения.

Фото. С. Дали и Ф.Г. Лорка, 1927

Дали увлекался Фрейдом, носил кудри до плеч, бакенбарды, ходил в длинном плаще и шляпе с полями. Он был фанатично предан искусству, но был непрактичен в жизни, был, что называется «не от мира сего».

Но главным оставалось творчество. Дали писал натюрморты, портреты, композиции с громкими названиями типа «Мёд слаще крови», «Дохлый осел», декорации к драме Гарсиа Лорки «Марианна Пинеда». Он продолжает публиковать свои статьи об искусстве в барселонской газете «Гасета де лез Арте». Дали исключили из Академии Сен-Фернандо в 1926 г. за постоянные нарушения учебного процесса и дерзость.

Дали уже тогда великолепно овладел академической манерой, техникой импрессионистов и умел, как кубисты, геометризировать образы.

Портрет Л. Бунюэля

Он как бы примерялся к различным стилям и всё более склоняется к сюрреализму. Слово «сюрреализм» каталонцы впервые услышали на выставке итальянских футуристов.

В 1929 году, уже будучи известным художником, Дали познакомился с Андре Бретоном и Полем Элюаром, исповедавшими сюрреализм. Дали присоединился к группе, и очень скоро его имя в сознании публики стало олицетворением сюрреализма.

Фото. Гала, 1930

Тогда же Дали познакомился с Еленой Дмитриевной Дьяконовой, женой Поля Элюара, дочерью московского адвоката. Он, по его словам, полюбил её «больше, чем отца, больше, чем мать, больше, чем Пикассо и даже больше, чем деньги». Любовь оказалась взаимной.

В 1930 г. Дали переехал в Париж. В 1934 г. Елена становится женой художника.

Дали зовет её Гала (по-французски – «праздник»). Она была и добрым ангелом, и злым гением великого художника.

Первые сюрреалистические работы Дали помечены 1929 годом. Обычно в них на фоне пустынного ландшафта возникали фантастические видения, растекающиеся или разрушающиеся формы которых выписаны художником не как миражи, а абсолютно чётко. Каждая картина становилась своеобразным интеллектуальным ребусом.

Постоянство памяти (Растёкшееся время)

На одном из самых известных полотен XX века – «Постоянство памяти» (1931 г., Музей современного искусства, Нью-Йорк) – мягкие, словно расплавленные циферблаты часов свисают с голой ветки оливы, с какой-то кубической плиты, со странного существа, похожего и на лицо, и на улитку без раковины. Каждую деталь можно и интересно рассматривать самостоятельно, а все вместе они создают магически загадочную картину. В этой и в других работах, таких, как «Частичная галлюцинация: шесть портретов Ленина на фортепиано (1931 г.), «Метаморфоза Нарцисса» (1934 г.), «Горящий жираф» (1935 г.), «Осеннее каннибальство» (1936 г.), «Мягкая конструкция с вареными бобами: предчувствие гражданской войны в Испании» (1936 г), «Лебеди, отражающиеся в виде слонов» (1937 г.), «Лицо войны» (1940 г.), прочитывается абсолютная продуманность композиционного и колористического строя.

Совмещение реальности и бредовой фантазии (иначе и не назовёшь) как бы конструировалось, а не рождалось вдруг по воле случая.

Мягкая конструкция с вареными бобами: предчувствие гражданской войны в Испании

В 1930 годах Дали много путешествовал. Когда художник прибыл в США, страну охватила «сюрреалистическая лихорадка». В его честь устраивались сюрреалистические бал-маскарады, костюмы гостей были экстравагантные и провоцирующие, словно вдохновленные фантазией художника. Балы и выставки с успехом проходили и в Европе.

Лицо войны

Дали предлагал потрясенным зрителям не только картины, но и сюрреалистические предметы: ножи с зеркальцами, калейдоскопические очки для автомобилистов, туфли на пружинах и т. д.

Успех принес богатство, но сам художник как-то обмолвился: «Я понятия не имею, богат я или беден. Всем распоряжается жена. Деньги для меня – мистика».

Культ индивидуализма, который всегда проповедовал Дали, привел к тому, что в 1938 г. художника исключили из группы сюрреалистов. В этом же году состоялась знаменитая встреча с тяжело больным З. Фрейдом, кумиром Дали. Фрейд, в целом плохо относясь к сюрреалистам, был покорен личностью Дали.

Когда нацисты оккупировали Францию, Дали уехал в Америку, где был уже «оглушительно» знаменит. Дали много времени уделяет книжной графике, он иллюстрирует Шекспира, Сервантеса, Монтеня, Челлини, работает и как театральный художник.

Дон Кихот

В американский период художник приступил к религиозной живописи, которую продолжил по возвращении в Европу, в родной Фигерас, в 1948 г. Это «Искушение Святого Антония»(1946 г.), «Мадонна Порта-Лигата» (1949 г.), «Открытие Америки Христофором Колумбом»(1959 г.), «Христос святого Хуана де ла Крус» (1951 г.), «Тайная вечеря» (1955 г.) и др. Они создали Дали славу «католического живописца». Папы Римские (Пий XII и Иоанн XXIII) приглашали на аудиенции в Ватикан и всячески одаривали его.

Тайная вечеря

Художественный мир с неослабевающим интересом следил за творчеством и поступками Дали. Он часто бывал в Париже, выезжал в Америку с выставками и лекциями.

В Фигерасе, на месте разрушенного ещё в Гражданскую войну муниципального театра, Дали сотворил в 1973 г. свой Театр-музей, ставший местом паломничества туристов со всего мира.

Фото. Театр-музей Дали в Фигерасе

В 1979 г. Дали избрали во Французскую Академию. Высшим орденом Испании – Большим крестом Карлоса III – Дали был награжден в трагический для мастера год: в 1982 году умерла жена Гала, умер праздник.

Роль «гениального безумца», которую Дали разыгрывал на людях, сделалась не под силу осиротевшему художнику, и с тех пор до конца дней он жил затворником.

Художник мечтал, чтобы хотя бы одна из его картин попала на родину его несравненной Галы, в Россию. А здесь Дали почти до самой его смерти считали олицетворением «разложения буржуазного общества».

Геополитический младенец, наблюдающий рождение нового человека

Сальвадор Дали при жизни стал классиком живописи, но его перу также принадлежат разнообразные литературные произведения, в том числе серьёзные труды по искусству и философии.

Умер художник 23 января 1989 года, оставив потомкам таинственный и неразгаданный мир своих полотен. Когда Дали спрашивали, почему же часы у него растекаются, он отвечал: «Суть не в том, что растекаются! Суть в том, что мои часы показывают точное время».

Этим временем, временем великого Сальвадора Дали, стал XX век.

Штутгарт, февраль 2010

  Кто назвал картину Казимира Малевича "Черный квадрат" гениальной?


К началу страницы К оглавлению номера
Всего понравилось:0
Всего посещений: 381




Convert this page - http://7iskusstv.com/2010/Nomer5/Kojfman1.php - to PDF file

Комментарии:

Александр
Бад Фильбель, Германия - at 2011-10-31 19:43:42 EDT
Просто и интересно о сложном и далеко не всем понятном. Мне нравится.
Спасибо!

Илья Басс
Медфорд, МА, США - at 2010-05-29 23:21:15 EDT
Макс Эрнст вылетел в США в конце апреля 1941 года.И он действительно был женат на П.Г., но очень короткое время Советую автору уточнить детали этого периода. Они приведенны в книге
Guggenheim, Peggy Out of this century: confessions of an art addict
Universe Books, New York 1979.

Юлий Герцман
- at 2010-05-28 17:49:40 EDT
Конечно, это не искусствоведческая, но качественная просветительская статья. И как таковая, допускает некоторую скороговорку. Я бы в разделе о Магритте упомянул бы и его знаменитые вариации "Это не трубка", пиша о Максе Эрнсте, не удержался бы отметить его сродство с Отто Диксом и Георгом Гроз(ж)ем. Но это все - детали. В целом же - очень приятное впечатление.
A.SHTILMAN
New York, NY, USA - at 2010-05-27 20:53:48 EDT
Прекрасное эссэ!
Читается с большим интересом, особенно о Магритте. Как говорил клоун Виталий Лазаренко: "Критиковать легко! Попробуйте-ка сами!"

Igor Mandel
Fair Lawn, New Jersey, United States - at 2010-05-23 23:00:18 EDT
Согласен с Майей - это совершенно поверхностная информация, которую можно найти в любом издании об этих художниках или о сюрреализме в целом. Но, может быть, для некоторых читателей - судя по отзывам - все это внове, и такой легкий просветительный жанр оправдан? Однако в любом случае работу такого рода нельзя считать "искусствоведческой", как ее назвал Б. Альтшуллер - это действительно "для туристов" в живописи. Если сравнить, скажем, с недавним исследованием Е. Берковича о Томаса Манне, где автор обобщил массу источников и пр. - то для написания подобной статьи достаточно сделать несколько далеко не самых важных выписок из одного-двух.
Б.Тененбаум
- at 2010-05-23 20:12:08 EDT
Понравилось. Я, конечно, о предмете знаю очень мало, но захотелось узнать побольше. Искренне признателен автору.
Майя
США - at 2010-05-23 19:24:07 EDT
Извините, дифирамбов петь не буду. Тривиально. Как и предыдущая публикация. Для туристов - годится. Для читателей портала, по моему мнению, нет.
Борис Э.Альтшулер
- at 2010-05-23 19:11:48 EDT
Чудесная, как и предыдущая, искусствоведческая статья Валерия Койфмана. Получил, как и в прошлый раз, большое удовольствие.

Немного сложнее в отношении биографии С.Дали. Американский автор Тim McGirk опубликовал в 1989 г. интересное исследование о супругах Дали, которое в том же году вышло в свет и на немецком языке. Cудя по информации книги, у Галы был блестящий нюх на гениев. Гала, которая была замужем за Полем Элюаром и в течение своей жизни оставалась сексуально очень активной, бросила мужа и собственную дочь из-за импотентного и гениального художника. Трагедия отношений супругов Дали особенно манифестировалась в старости. Если уже в 1929 г. Сальвадор Дали собирался сбросить Галу со скалы, то в 1982 г. он исполнил свои намерения и столкнул ее, по версии автора, с лестницы, сломав ей таким образом бедро. Что и стало причиной смерти мадам Дали.

Валерий, жду новых интересных статей.

_Ðåêëàìà_




Яндекс цитирования


//